Arte en NYC: qué quiso decir Andy Warhol con las Latas de sopa Campbell que están en el MoMA
Cuando presentó la serie por primera vez en 1962, exhibió las pinturas sobre estantes, lo que imitaba la disposición de los productos en un comercio
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LA NACION
En una de las salas más visitadas del Museum of Modern Art de Nueva York, se pueden apreciar 32 latas de sopa alineadas como si estuvieran en la góndola de un supermercado. La serie Campbell’s Soup Cans, realizada por Andy Warhol en 1962, no solo transformó la historia del arte contemporáneo, sino que además condensó muchas de las obsesiones del artista: el consumo masivo, la repetición, la cultura popular y la idea de que el arte debía dejar de pertenecer únicamente a las élites.
Qué representan las Campbell’s Soup Cans de Andy Warhol en el MoMA de Nueva York
Según explica el MoMA en la descripción oficial de la obra, Warhol eligió representar un objeto común dentro de la cultura estadounidense: las sopas enlatadas de Campbell’s.
Cuando presentó la serie por primera vez en 1962, exhibió las pinturas sobre estantes, lo que imitaba la disposición de los productos en un comercio. El artista buscaba borrar la frontera entre un museo y un supermercado, entre el llamado “arte elevado” y los productos industriales consumidos por millones de personas, indica el museo.
Cada uno de los 32 cuadros corresponde a una variedad distinta de sopa que la compañía comercializaba en aquel entonces. Desde tomate hasta chicken noodle o clam chowder, Warhol reprodujo las etiquetas casi idénticas entre sí.
El propio artista explicó en varias oportunidades el origen de la idea: “Solía comer lo mismo todos los días, durante 20 años, creo, lo mismo una y otra vez”. La repetición cotidiana, la rutina del consumo y la estandarización de la vida moderna eran algunos de los temas que quería llevar al centro de la escena artística, detalla el MoMA.
Cómo Andy Warhol creó las Campbell’s Soup Cans exhibidas en el MoMA
Warhol utilizó una combinación de técnicas: proyectó los diseños sobre el lienzo, aplicó pintura acrílica a mano y utilizó sellos de goma para los detalles dorados. Aunque parecen mecánicas, fueron realizadas con técnicas mixtas que combinaban lo manual y lo reproductivo.
La aparente uniformidad era parte central del mensaje. Warhol intentó imitar la estética de la publicidad y de la producción industrial, pero con pequeñas diferencias entre una pintura y otra.
La audioguía del museo describe que cada panel mide 20 pulgadas (51 centímetros) de alto y 16 pulgadas (41 centímetros) de ancho.
Por qué Andy Warhol convirtió las latas Campbell’s en íconos culturales
Warhol llegó a describir las Campbell’s Soup Cans como “retratos”. La comparación reflejaba la importancia simbólica que esos productos tenían dentro de la cultura estadounidense, señala el MoMA. Las latas eran omnipresentes, reconocibles por cualquier persona y parte inseparable del paisaje cotidiano.
El artículo publicado por MoMA Magazine plantea una lectura casi religiosa de la serie. Los medallones dorados repetidos en cada etiqueta recuerdan los halos de los íconos religiosos bizantinos que Warhol veía durante su infancia en la iglesia St. John Chrysostom Byzantine Catholic Church de Pittsburgh. Bajo esa interpretación, las latas de sopa se transforman en objetos de devoción moderna.
La obra también anticipó otra de las grandes obsesiones del artista: las celebridades. Poco después de terminar la serie, Warhol comenzó a producir sus famosas imágenes de Marilyn Monroe y Elvis Presley con serigrafía. En ambos casos, tanto las estrellas de Hollywood como las sopas Campbell’s eran tratadas de manera similar: imágenes reproducidas masivamente, vaciadas de contexto y convertidas en íconos culturales.
La obsesión de Andy Warhol por la repetición y la producción industrial
Con Campbell’s Soup Cans, Warhol no solo buscó representar la cultura de consumo. También quiso transformar la manera en que el arte era producido. El artista sostuvo: “La razón por la que pinto de esta manera es que quiero ser una máquina”.
La frase resumía su postura estética, ya que frente a la exaltación de la individualidad artística que dominaba el arte de posguerra, Warhol defendía la repetición, la producción mecánica y la estandarización visual, señala el MoMA.
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